A Hora do Adeus...

Muito obrigado pelo apoio que me deram ao longo deste tempo! A vida está sempre em movimento e chegou a hora de embarcar noutras aventuras. Que o Cinema more connosco!

Até sempre...

Senhoras e Senhores, Annie Leibovitz!

Angelina Jolie

Alec Baldwin, Jennifer Connelly e Thomas Jane

Nicole Kidman

Dame Judi Dench e Dame Helen Mirren

Scarlett Johansson

Fim-de-Semana...

A Desaparecida (1956), de John Ford. Hoje, RTP2, 22h45

Sonata de Outono (1978), de Ingmar Bergman. Hoje, RTP2, 00h45

Platoon - Os Bravos do Pelotão (1986), de Oliver Stone. Amanhã, canal Hollywood, 17h30

Tubarão (1975), de Steven Spielberg. Amanhã, canal Hollywood, 22h00

Rapariga com Brinco de Pérola (2003), de Peter Webber. Amanhã, RTP1, 02h35

The Dark Knight - O Cavaleiro das Trevas (2008)

Cidade Sob Pressão

Independentemente dos resultados práticos, The Dark Knight pode-se orgulhar de ter sido, desde o início da sua produção, um inacreditável fenómeno na gestão das expectativas dos públicos (mesmo daqueles que não se entusiasmam por aí além pelo universo dos super-heróis, grupo onde me incluo, confesso), alicerçado numa das mais prolíficas estratégias de Marketing a nível mundial e na curiosidade em observar o malogrado Heath Ledger naquela que é uma das suas últimas participações em cinema. A espectacularidade em torno da promoção do filme bem tenta legitimar a imensa qualidade deste, mas não há volta a dar: The Dark Knight insere-se na categoria dos filmes sobrevalorizadíssimos, sendo mesmo um daqueles casos em que a montanha pariu um rato.

Nesta nova aventura, o Homem Morcego une forças com o Tenente Jim Gordon e com o popular Procurador Distrital Harvey Dent, como forma de erradicar totalmente os colectivos mafiosos que continuam a operar em Gotham City. No entanto, um criminoso muito inteligente (e bastante perverso) conhecido por Joker chama para si todas as atenções, ao desafiar os três heróis da cidade e ao desencadear ondas de violência, destruição e pânico sem precedentes.

Economia narrativa deve ser um conceito não muito perceptível pelo ambicioso realizador Christopher Nolan, que aqui filma, filma, filma e filma sem saber bem quando deve parar. The Dark Knight arrasta-se numas intermináveis 2h30 de projecção no seu fogo de artifício de encher o olho (mas lapidado de inconsequência), num dispensável moralismo de pacotilha e no seu penoso, revoltante e pestilento pretensiosismo. A megalomania do filme não se encontra apenas na sua duração mastodôntica: por exemplo, os grandes planos sobre os edifícios da cidade e a utilização de uma banda-sonora eminentemente dramática tentam tudo por tudo para conferir uma intensidade emocional que pura e simplesmente não existe (e que a existir, não jogaria bem com as longuíssimas e enfadonhas sequências de acção). O Batman de Christian Bale padece de uma pífia caracterização, ao mesmo tempo em que se vê obrigado a debitar diálogos sofríveis.

No final, já pouco se aproveita. A tautologia mata o filme de vez e é inevitável pensarmos na redundância de todo o projecto. A frustração também toma o seu quinhão: o que é feito do genial autor de Memento e Insomnia, que tão bem começou a construir uma carreira com base numa brisa de inteligência e originalidade? Aqui, Cristopher Nolan assume uma decepcionante condição de tarefeiro e nem sequer consegue imprimir um mínimo cunho pessoal; pelo contrário, torna-se anónimo e igual a qualquer outro artesão de 2ª categoria que tenta triunfar em Hollywood à conta de blockbusters insípidos. No geral, salva-se o conjunto de interpretações, com o inevitável destaque para Heath Ledger (que não só rouba as cenas em que entra, como rouba todo o filme) e para a dupla Morgan Freeman e Michael Caine, com a elegância interpretativa do costume. Já agora: serei o único a achar a voz de Batman involuntariamente cómica? Soa-me a uma mistura da personagem de Jim Carrey em O Melga com o actor Keanu Reeves, se bem que num tom ainda mais grave do que o deste.

Conclusão: na saga Batman, continuo a preferir o minimalismo cénico e o apurado sentido de espectáculo do seminal Batman Returns.

Classificação: 1/5

A Mãe e o Pai, segundo Steven Spielberg

É certo e sabido que a obra de Steven Spielberg se encontra contaminada pela complexidade das relações entre pais e filhos. Este facto deve-se a um acontecimento nuclear na vida do cineasta: o divórcio dos seus pais.

Na cinematografia do realizador de A Lista de Schindler, a Mãe é quase sempre representada como um poço de infindável amor, alguém que apresenta dignidade e perseverança, independentamente dos contextos.

Exemplos:

Dee Wallace Stone em E.T. - O Extra-Terrestre (1982)

Frances O'Connor em A.I. - Inteligência Artificial (2001)

Já no caso do Pai, o cenário não é tão estimulante. A figura paterna surge quase sempre como um ser ausente, física (Terminal de Aeroporto) ou simbolicamente (Hook). A excepção parece residir na personagem de Tom Cruise em Minority Report - Relatório Minoritário (2002).

Exemplos:

Christopher Walken em Catch Me If You Can - Apanha-me se Puderes (2002)

Tom Cruise em War Of the Worlds - Guerra dos Mundos (2005)

As Fases de uma Relação, por Judd Apatow e Companhia

O início da Relação (onde se inclui a perda da virgindade)

A chegada de um filho

A ruptura

Fim-de-Semana... de Elevada Qualidade!

Dog Day Afternoon - Um Dia de Cão (1975), de Sidney Lumet. Hoje, na RTP2, às 22h45;

Cries and Whispers - Lágrimas e Suspiros (1972), de Ingmar Bergman. Logo a seguir a Dog Day Afternoon (quando rondar as 00h50);

Closer - Perto Demais (2004), de Mike Nichols. Amanhã, na SIC, às 23h50.

TOP 5 Edward Norton

1) American History X - América Proibida (1998)

2) 25th Hour - A Última Hora (2002)


3) Fight Club - Clube de Combate (1999)


4) Primal Fear - A Raíz do Medo (1996)


5) The People Vs. Larry Flynt - Larry Flynt (1996)

A (Re)Descobrir...

L'Anglaise et le Duc - A Inglesa e o Duque (2001): Agora que se encontra nas salas portuguesas o novo filme de Eric Rohmer, Os Amores de Astrea e de Celadon, aproveito para fazer justiça a esta obra-prima do esplêndido cineasta da Nova Vaga. O filme, que se debruça sobre a Revolução Francesa, é um pungente objecto experimental: a nível da narrativa, deixa-se dominar pela atmosfera teatral (e pelo poder inalienável da palavra); no plano visual, usufrui das mais modernas tecnologias digitais para recriar as paisagens como se de pinturas se tratassem. A Inglesa e o Duque é um filme fundamental deste novo milénio, que combina classicismo com modernismo e que importa (re)descobrir com a maior das urgências.

Fim-de-Semana...

Persona - A Máscara (1966), de Ingmar Bergman. Aquela que é certamente uma das pedras-basilares da História do Cinema e um autêntico monumento ao existencialismo é exibida este Sábado, na RTP2, por volta das 00h45.

Natural Born Killers - Assassinos Natos (1994), de Oliver Stone. A obra-prima de Oliver Stone, que lança uma contundente crítica ao modus operandi dos mass media e ao fascínio desenfreado por todo e qualquer tipo de "estrelas", roda na TVI, no Domingo, às 00h45.

Oldboy - Velho Amigo (2003)

A Vingança fez-se para Matar

A designação de obra-prima sabe a pouco, a muito pouco. O filme vai mais para além desse rótulo; é uma experiência inominável para os sentidos que jamais se descola da nossa pele. Oldboy é o segundo tomo de um tríptico sobre a Vingança (que teve o seu início com Sympathy for Mr. Vengeance e que culminou com Sympathy for Lady Vengeance), assinado pelo sul-coreano Park Chan-wook. Aclamado como um dos mais espectaculares exercícios do cinema oriental contemporâneo, Oldboy viu a sua mestria ser reconhecida no Festival de Cannes ao lhe ser atribuído o Grande Prémio do Júri em 2004 (Quentin Tarantino fazia parte do painel de jurados e ficou fascinado com a obra, concedendo-lhe uma espécie de benção que se tornou fulcral para a projecção internacional que se seguiu).

Depois de uma noite regada a álcool, Oh Dae-Su é raptado e misteriosamente encarcerado num quarto de hotel que apenas dispõe de uma cama, secretária, bloco de notas e uma televisão (a sua única janela para o exterior). Esta enigmática situação não se resolve de imediato mas sim prolonga-se durante 15 anos de duras sevícias e da mais cruel das reclusões. Porém, chega o dia em que Dae-Su é inexplicavelmente libertado e incentivado a descobrir, num prazo de cinco dias, a identidade de quem lhe causou tanta dor. Com a ajuda de uma simpática chefe de shushi, o homem lança-se numa árdua investigação que o colocará face ao seu passado e a um violento processo de vingança...

Subversivo como poucos, Oldboy glosa uma temática já demasiadas vezes explorada pelo cinema oriental ( a vingança e a brutalidade a ela associada) mas não se reduz nem se esgota nesse tópico narrativo; aliás, reinventa-o magistralmente, graças a um argumento belíssimo com ecos de tragédia grega, a uma direcção artística notável e a um domínio virtuoso da câmara que não deixa ninguém indiferente. Filmar 'acção' de forma original nos dias de hoje é extremamente difícil, mas esta obra promete e cumpre na perfeição. O filme nunca se esquece que a captação arbitrária de cenas de acção de nada vale se por detrás não houver emoção, desenvolvimento narrativo e personagens consistentes com quem nos preocuparmos. Park Chan-wook constrói planos imbuídos da mais obscena violência que, no entanto, conseguem atingir um grau de beleza, lirismo e metafísica aparentemente impossível. Apetece dizer que Oldboy é quase um acto de sublimação de um certo tipo de violência estilizada e altamente coreografada, que escapa aos lugares-comuns daquilo a que temos vindo a assistir nos filmes do género. No entanto, aqui há de tudo: sangue a rodos, suor, lágrimas, amor desregrado e dor anímica, formando um cocktail explosivo e irresistível.

É um facto que Oldboy assemelha-se a um filme de 'super-herói' mas foge às habituais fragilidades narrativas desse universo, e não teme a sua condição de adaptação de um manga (de Tsuchiya Garon, para sermos precisos). A riqueza conceptual do todo é uma mais valia inolvidável, à qual se vem juntar ainda o imprescindível desempenho de Choi Min-sik, repleto de garra, desejo e vulnerabilidade comovente. Estamos perante um monumento cinematográfico moderno que divide radicalmente as opiniões. Eu cá já sei o que a casa gasta; se me perguntarem o que acho de Oldboy serei obrigado a responder eloquentemente: "Um dos melhores filmes de sempre!"

Classificação: 5/5

State and Main (2000)

Rodagem Debaixo de Fogo

Uma equipa de produção cinematográfica chega à pitoresca cidade de Waterford, no Vermont, para ali realizar um filme intitulado The Old Mill. As complicações também vêm com o staff e começam-se a manifestar logo ao início, sob a forma de actores egocêntricos, de um argumento ainda por trabalhar, de habitantes sequiosos por lucrar com as filmagens na sua terra e de um orçamento que se está a expandir para valores altíssimos. Entre a podridão moral daqueles que querem fazer um filme e daqueles que dele se querem aproveitar, surge uma das poucas pessoas que mantém a integridade pessoal e artística: o menosprezado escritor e agora argumentista Joe White, o (anti) herói da história que apenas deseja que o seu script veicule correctamente o tema da busca da pureza...

O que se retém de State and Main é uma deliciosa e contundente crítica à indústria cinematográfica de Hollywood, um pouco à semelhança daquilo que Robert Altman fez nos anos noventa no seu implacável The Player. O dramaturgo, realizador e argumentista David Mamet desenvolve uma fita de inegável subtileza que estabelece uma relação intíma com a linguagem teatral sem se alienar dos imprescindíveis códigos do cinema. Dito de outro modo: State and Main respira o ritmo fluido dos palcos, explorando os seus diálogos lapidares e as suas múltiplas personagens sempre nesse registo; no entanto, e apesar desta componente, nunca deixa de ser um filme. O que resulta é uma obra sedutora, inteligente e divertida (e com um grande, grande elenco) em que a pureza convive com os esquemas mais ardilosos de gente muito gananciosa. Joe White, desempenhado pelo sempre notável Phillip Seymour Hoffman, consegue atingir esse estado de candura não só no nome e no plano artístico, como também na veia amorosa, ao esbarrar com a dona da livraria local. Afinal, ainda há esperança para as gentes de Hollywood!

Classificação: 3/5

Bitter Moon - Lua de Mel, Lua de Fel (1992)

Quando um Homem ama uma Mulher...

Roman Polanski encena, em Bitter Moon, um assombroso conto erótico que se propõe a destruir, com vincada convicção e sarcasmo, as mais diversas ilusões e convenções reinantes no género romântico. Não só o realizador cumpriu a tarefa com um êxito avassalador, assinando um drama muito ácido que se assemelha a um opúsculo anti-romance, como acabou por edificar um dos melhores títulos da sua filmografia. Estamos, de facto, perante uma melancólica história de encontros acidentais, tecida com uma elevada carga sensual e que perscruta, com sobriedade, a faceta mais perversa do desejo, do amor e da obsessão sexual.

Oscar e Mimi sentiram uma atracção instantânea quando os seus rumos se entrelaçaram. O amor fogoso brotou, ganhando uma aura idílica, mas cedo se auto-consumiu devido à forte dependência que se estabeleceu entre aquele par de amantes. Afinal, tudo o que é vivido com tanta intensidade acaba por estagnar, mais tarde ou mais cedo. Agora, enquanto estão num cruzeiro rumo a Istambul, Oscar e Mimi estabelecem contacto com um jovem (e reprimido) casal inglês, que será o fiel depositário dos relatos incendiários de uma paixão que já o foi, mas já não é, e que apenas deixou dilacerações irreversíveis nos seus elementos humanos.

Bitter Moon escalpeliza, com assumida naturalidade, temas tão escaldantes como a decadência moral, a anulação pessoal e a submissão (sendo que este último acarreta a prática do sadismo e masoquismo), sem nunca esquecer a estruturação de uma narrativa eminentemente complexa a nível dramático. O conteúdo aqui é sério, adulto e radicalmente diferente dos padrões românticos que Hollywood tão prolificamente advoga. Roman Polanski quase desce a patamares dantescos, nesse seu inominável objectivo de desbravar os territórios movediços da interacção entre um homem e uma mulher (e do amor e do ódio que se apoderam de cada um deles). Uma coisa é certa: a viagem naquele cruzeiro será tão trágica e inesquecível como o percurso daquela história amorosa.

Classificação: 4/5

Sábado, na RTP2...

- A Cor Púrpura (1985), de Steven Spielberg. Com Whoopi Goldberg, Danny Glover e Oprah Winfrey (no papel que lhe deu uma merecida nomeação ao Óscar de Melhor Actriz Secundária);

- Morangos Silvestres (1957), de Ingmar Bergman. Uma das obras-primas do cineasta já falecido, que lhe grangeou a primeira nomeação ao Óscar de Melhor Argumento Original.

Bom fim-de-semana!

A Austeridade do Medo

Funny Games (1997), de Michael Haneke

Funny Games (2007), de Michael Haneke

Agora que o remake de Funny Games chegou às salas de cinema, seria bom rever a obra original na televisão!

Por onde andas, Nastassja Kinski?

Tess (1979), de Roman Polanski


One from the Heart (1982), de Francis Ford Coppola

Paris, Texas (1984), de Wim Wenders

Dead Man - Homem Morto (1995)

Jornada para a Morte

Fascinante pérola existencialista dos anos 90, injustamente subvalorizada e esquecida. Jim Jarmusch celebra em Dead Man a revisitação do género querido do cinema clássico americano: o Western. Só que em vez de se contentar com a transposição dos códigos narrativos inatos a esse género e com o mero decalque da sua simplista atitude formal, Jarmusch reinventa-o e apresenta-nos um Western pós-moderno absorto numa metafísica arrebatadora, em simbologias desconcertantes e num acérrimo desencanto filosófico .

Filmado num belíssimo preto e branco (da responsabilidade de Robert Müller), Dead Man relata o árduo percurso físico, emocional e espiritual do jovem William Blake que, na segunda metade do século XIX, se dirige para a cidade de Machine em busca de um emprego como contabilista numa muito conhecida fábrica metalúrgica. Uma vez lá chegado, é maltratado pelo director daquela empresa familiar e posto na rua sem qualquer tipo de decoro. Ao errar pela pequena cidade "doentia", Blake trava conhecimento com uma afável ex-prostituta, com quem acaba por passar a noite. Mas o ex-amante da rapariga aparece e, num acesso de fúria, dispara mortalmente sobre ela, acabando por ferir também Blake. Este reage, abate o homem e foge sem destino. Às portas da morte e contando apenas com a ajuda de um índio (que alerta o contabilista para o facto de partilhar o nome com o famoso poeta visionário), Blake fica a saber que o homem que matou é o filho do empresário que o rejeitou, e que este mandou três assassinos no seu encalço...

Dead Man é uma galvanizante parábola sobre a Morte e uma carta de pessimismo em relação ao Homem e às suas acções inconsequentes. O filme tem um argumento tão rico que permite as mais estimulantes leituras: pode ser visto como o salutar encontro de um homem com a sua espiritualidade, a necessidade de fugir de contextos conspurcados (neste caso, a cidade) e alcançar a transcendência individual num qualquer lugar mais "puro", o agarrar a vida mesmo quando esta teima em nos escapar, ... Esta complexidade de interpretações torna Dead Man num objecto lírico irrepreensível, que foge aos lugares-comuns quer do cinema de massas, quer do dito cinema independente (que também os tem, é preciso dizer). Jim Jarmusch consegue aqui uma fita de inegável beleza etérea que encerra um paradoxo algo redundante, mas intenso: é no processo da morte certa que Blake saboreia como nunca a vida que lhe passou ao lado.

A composição musical de Neil Young é um pouco questionável, mas a verdade é que ajuda a acentuar o clima de estranheza veiculado pelo filme e confere-lhe uma identidade muito própria. Dead Man pode não ser consensual, mas quando alcança o nosso âmago, torna-se automaticamente uma referência do bom cinema arty dos anos 90.

Classificação: 4/5

Speed Racer (2008)

Velocidade de Cruzeiro

Um filme de acção hiperbólica para toda a família, que funde universos distintos. A saber: banda-desenhada, videojogos, desenho-animado e imagem real. É mais ou menos assim que se pode definir a nova experiência de Andy e Larry Wachowski, se bem que o conceito de 'entretenimento para toda a família' cause alguma estranheza após o visionamento do filme. A verdade é que Speed Racer é uma obra kitsch bastante violenta para as crianças, mas também demasiado ingénua para os adultos. Não se percebe bem qual o público-alvo que o filme pretende atingir, mas começo a achar que deve rondar a faixa etária dos 13 anos, que se encontra viciada em jogos de computador do género 'acção imparável' e que devora todo o tipo de guloseimas.

Enfim, ainda não foi desta que a impenitente dupla de realizadores me conseguiu convencer definitivamente do seu talento. É com desencanto que digo que cada vez mais parece que o excelente Bound (1996) foi um erro de percurso. Desde esse brilhante momento criativo que espero com ansiedade que os manos consigam criar uma obra que respire com inteligência as coordenadas da linguagem cinematográfica, sem que para isso se tenham de desprender dos enleios das tecnologias digitais que dominam na perfeição.

Speed Racer recupera a popular série de anime japonesa de finais dos anos 60, que teve a sua origem numa igualmente famosa banda-desenhada. Speed Racer é o nome de um jovem ás do volante, destinado a saborear a vida em alta velocidade no seu carro Mach 5 e nas mais diversas competições. A prática deste desporto automobilístico não se esgota apenas em Speed; alastra-se também à sua família, que igualmente vibra com as correrias e até gere um negócio nesse meio. Mas a tragédia já bateu um dia à porta dos Racer: o filho primogénito, o célebre Rex Racer, perdeu a vida num trágico acidente.

Sentindo que deve homenagear os feitos do irmão e manter-se unido à estrutura familiar que tanto preza, Speed recusa assinar um lucrativo contrato com a Royalton Industries, uma poderosa e malévola organização. Essa decisão não é bem acolhida pelo demoníaco proprietário da empresa, que jura prejudicar a carreira de Speed. Para salvar o sustento da família e dignificar o desporto que o apaixona, o jovem talento alia-se a um enigmático corredor - o Racer X - e enfrenta a Royalton no seu próprio campo de batalha, ou seja, o local de competições que ceifou a vida do seu irmão...

Mais do que um filme, Speed Racer é um produto descartável, uma autêntica inanidade de ideias e criado somente para o gáudio dos próprios irmãos Wachowski. É como aquela espécie de private joke à qual ninguém deveria ter acesso, mas que infelizmente todos acabam por saber. O argumento é para lá de paupérrimo (os diálogos são sofríveis, existe uma atitude claramente anti-empresarial que nunca chega a ser bem explorada e a inevitável moral delicodoce da importância da força familiar) e as cenas de acção, certamente um atractivo para muita gente, resultam enjoativas até mais não. A estética completamente artificial anula qualquer possibilidade de envolvimento.

Não há aqui qualquer noção de plano, vertigem, ameaça ou incómodo; assistimos apenas a um pueril desfile de imagens hi-tech alucinadas (com uma paleta de cores garridas que quase ferem as órbitas e com um tom marcadamente pop) que parecem saídas de um jogo de pinball on acid. Este é mais um caso em que se confunde uma rápida sucessão de imagens ruidosas com intensidade emocional e onde o aborrecimento de morte se torna uma presença inevitável. Nem no patamar das interpretações Speed Racer encontra a salvação: gente tão ilustre como Susan Sarandon, John Goodman, Christina Ricci e a estrela em ascensão Emile Hirsch (recém-saído do fabuloso Into The Wild, de Sean Penn) não fazem jus ao seu imenso talento e parecem algo perdidos nesta nulidade em forma de filme.

Este é mais um passo dos realizadores no trilho da indigência criativa. Surpreendentemente, Speed Racer não foi o mega-sucesso que prometia arrasar com as bilheteiras norte-americanas. Será que o público já se apercebeu que a dupla está a ficar sem ideias?

Classificação: 0/5

Os Mais Esperados por este Blog: #1

The Exchange, de Clint Eastwood. O novo filme do realizador de Million Dollar Baby (cujo título passou de Changeling para The Exchange) conquistou completamente a atenção deste blog! A história encontra-se à beira do inacreditável, mas baseia-se nos eventos reais ocorridos na Los Angeles de 1928. Quando o filho de Christine Collins (Angelina Jolie) é dado como desaparecido, a polícia apressa-se a acalmar os boatos de incompetência que se espalham pela cidade. A jovem mulher é então confrontada com um outro miúdo que a polícia diz ser o seu filho e que, ainda por cima, a trata por mãe. Christine sabe que aquele não é o seu filho e como se recusa a aceitar toda a situação, vê-se então obrigada a ser internada numa instituição psiquiátrica... Cannes aplaudiu o filme e Angelina Jolie, que esteve às portas de arrebatar a Palma de Ouro para Melhor Actriz. Este título poderá ser uma das fortes presenças na próxima edição dos Óscares.

Os Mais Esperados por este Blog: # 2

Australia, de Baz Luhrmann. Um épico romântico de recorte clássico e visualmente arrebatador que volta a juntar Nicole Kidman e Baz Luhrmann, sete anos depois de terem brilhado a grande altura com Moulin Rouge!. É mais ou menos assim que se pode definir este Australia, um projecto que tem causado burburinho desde o começo. A história ocorre no início da 2ª Guerra Mundial e desenvolve-se em torno de uma aristocrata inglesa que herda uma propriedade no nordeste australiano. Para proteger a sua herdade dos interesses de terceiros, a jovem mulher alia-se a um experiente vaqueiro (Hugh Jackman). Ao conduzir 2.000 cabeças de gado por terras australianas, o par assiste ao bombardeamento da cidade de Darwin pelo exército japonês. A estreia do filme em Portugal está prevista para 25 de Dezembro.

Os Mais Esperados por este Blog: # 3

Savage Grace, de Tom Kalin. Quer-me parecer que este filme está irremediavelmente condenado a ser um objecto obscuro, daqueles menosprezados pelo público e pelo jornalismo mais sensacionalista. Baseando-se num caso verídico, Savage Grace conta a brutal história da socialite Barbara Daly, que casou com um empresário da área dos plásticos e que manteve com o filho uma perturbante relação incestuosa. Diz-se que esta tragédia familiar contém uma das melhores interpretações de sempre de Julianne Moore.

Os Mais Esperados por este Blog: # 4

Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen. O realizador nova-iorquino decidiu mudar de paisagem e desta vez filmou em Espanha. O resultado é um jogo amoroso que envolve duas amigas (Scarlett Johansson e Rebecca Hall) que se encontram a passar férias em terras espanholas e o homem pelo qual se apaixonam, um pintor (Javier Bardem). Entra depois em cena a ex-mulher deste, Maria Elena (Penélope Cruz), com quem o pintor mantém uma relação conflituosa. A recepção de Vicky Cristina Barcelona no último Festival de Cannes não foi magnífica, mas ainda assim existe muita expectativa para este 'rebento' de Woody Allen. Pode estar aqui uma das pérolas do ano!

Os Mais Esperados por este Blog: #5

Stop-Loss, de Kimberly Peirce. Nove anos depois, a realizadora de Boys Don't Cry (filme que valeu a Hillary Swank o primeiro Óscar da sua carreira) regressa às longas-metragens, para para nos oferecer um drama de guerra. Inspirada pela incursão do seu irmão mais novo no território militar, Peirce narra aqui a história do soldado Brandon King que, após regressar das suas funções no Iraque, se vê forçado a lá voltar. Tudo por causa de uma cláusula pouco conhecida entre os combatentes (a Stop-Loss do título) que obriga a essa remobilização. Este acontecimento inesperado fará com que King avalie o poder do amor, da honra e da amizade. Mais uma valente crítica à estratégia militar norte-americana e aos efeitos devastadores que esta provoca nos seus 'filhos' ? Esperemos que sim!

The Happening - O Acontecimento (2008)

Um Infeliz Acontecimento

Para mal dos seus pecados, M. Night Shyamalan ficou para sempre preso numa redoma alicerçada pelo público, que se arrepiou no final dos anos 90 com o excelente The Sixth Sense e que ficou completamente embasbacado com o já célebre twist final. Desde então, o seu percurso tem-se pautado por obras de grande qualidade, que reflectem sobre temas universais e que contemplam uma visão singular e desencantada sobre as características da actual nação americana.

No entanto, esses títulos não conseguiram repetir a espectacular adesão obtida pela obra de 1999. É a triste sina deste grande cineasta: embora o seu currículo esteja repleto de obras cada vez mais fabulosas, a verdade é que parece que o seu trabalho só será tido em conta se apresentar uma reviravolta que deixe meio-mundo de boca aberta. Efeitos colaterais (e esmagadoramente perversos): a forma profunda e inteligente como Shyamalan mergulha nos seus temas, as simbologias ávidas de descodificação e o rigor magnetizante da sua realização são injustamente marginalizados.

The Happening orquestra o conceito de paranóia generalizada que se instaurou no seios dos EUA no pós- 11 de Setembro. The Village já tinha abordado este tema na perfeição, se bem que de uma forma mais subtil. Nesse caso, tratava-se de uma alegoria assombrosa sobre o medo colectivo, a alienação auto-imposta, o amor incondicional e um clima de ameaça permanente. Neste novo filme, Shyamalan pega na temática ambiental (que cada vez mais é um assunto na ordem do dia) e encena uma parábola algo desconcertante sobre a revolta e consequente vingança da Natureza contra o Homem, após os actos prejudiciais cometidos pelas mãos deste. No limite, The Happening reinventa a velha moral que diz que degradar o meio ambiente é o equivalente a destruir progressivamente a nossa própria existência.

Este thriller ecológico nutre-se do espectro de Hitchcock para recriar o modelo de terror inexplicável que o mestre tão bem soube gerir no majestoso The Birds. Shyamalan ainda nos sabe arrepiar como poucos, mesmo que esteja a trabalhar com parcos recursos. O poder de sugestão deste filme é a sua mais-valia: tudo é relevante, até o mais pequeno pormenor; certos planos destilam uma aura maquiavélica que incomoda; o vento, as nuvens, as plantas e os sons colocam os nervos do espectador em sentido. Este encontra-se sempre em busca de uma justificação racional para a ameaça devastadora que se vai alastrando. O modo de realização, que se aproxima do espírito clássico, intensifica o medo e o envolvimento com a história, só que infelizmente o filme nunca chega a deslumbrar.

A premissa é bastante sugestiva, mas com o desenrolar da narrativa percebe-se que Shyamalan está a operar sobre material dramático muito escasso, restando-lhe apenas ceder a alguns truques visuais para impressionar. Ou seja, as mensagens que se pretendem veicular são interessantes, mas o resultado final não é apelativo o suficiente para se implantar na nossa memória. Sente-se sobretudo a falta das ressonâncias morais, religiosas e românticas que imperaram nas suas obras anteriores e que nos acompanharam muito depois do visionamento desses filmes.

The Happening deixa um certo desencanto no ar, uma sensação de vazio, apesar de ser um entretenimento razoável. A frustração inflama-se quando se chega à conclusão que alguns momentos nesta fita são decalcados de outros títulos marcantes da filmografia do cineasta indiano. Este factor 'colagem' não só é decepcionante como parece indiciar que Shyamalan se alienou de alguma da sua garra criativa. Algumas cenas desnecessárias (para não ter de dizer ridículas) também não ajudam à festa.

A escolha do par protagonista é sofrível: tanto Mark Wahlberg como Zooey Deschanel constituem erros de casting. Para além de serem actores dramaticamente limitados, a química entre ambos nunca funciona como seria de esperar. Por seu lado, a banda-sonora atmosférica e arrepiante triunfa por completo, fazendo-nos recordar a arte de bem manipular as emoções. Enfim, resta esperar que o realizador regresse ao seu pulso natural. É que The Happening está mesmo a anos-luz da qualidade dos seus trabalhos. E não espelha totalmente o enorme talento que reside neste génio do cinema contemporâneo.

Classificação: 2/5

A (Re)Descobrir...

Very Bad Things - Eram Todos Bons Rapazes (1998): Nas vésperas do casamento com uma namorada muito neurótica, o noivo e os amigos fazem uma viagem para Las Vegas, com o objectivo de lá realizar a festa de despedida de solteiro. Um quarto de hotel recebe então o grupo, que se encontra abastecido de álcool e drogas. Um dos atractivos da noite é a presença de uma prostituta asiática, que acaba por morrer brutalmente durante uma sessão de sexo na casa-de-banho. Para se fugir aos problemas com a justiça, segue-se a matança do curioso empregado de hotel, o enterrar dos cadáveres no deserto e uma série de mortes que inclui elementos do grupo de amigos. Até à hora da cerimónia, vai correr muito sangue, suor e lágrimas... Mesmo sem ser um grande filme, esta é uma comédia negríssima realmente divertida, com um humor sem concessões. Foi realizada pelo actor Peter Berg e conta com as participações de uma muito jovem Cameron Diaz, Christian Slater, Jon Favreau (realizador do recente Iron Man) e Jeremy Piven (o implacável Ari Gold de Entourage). Um verdadeiro guilty pleasure!

Música do Dia...

The New World - O Novo Mundo (2005)

O Admirável Mundo Novo

Terrence Malick deve ser dos cineastas mais insondáveis do grande cinema americano. O autor 'eremita' raras vezes surge em eventos públicos, gere a carreira com pulso firme e alimenta uma aura de outsider criativo que recolhe os aplausos de diversos quadrantes (e muita inveja por parte dos seus pares, quase de certeza). O que é intrigante nos malabarismos deste jogo enigmático é que, mesmo com uma cinematografia reduzida (entre 1973 e 2005, Malick só nos presenteou com... 4 filmes), o realizador continua a possuir o condão de atiçar a curiosidade do público e dos media aquando da estreia de um projecto seu. Relembremos, então, a sua obra até ao momento: Badlands (1973), Days of Heaven (1978), The Thin Red Line (1998) e este The New World (2005). Pode ser frustrante constatar a pouca quantidade produzida em todos estes anos de labor, mas a imensa qualidade do conjunto suaviza esse triste pensamento.

The New World é a visão de Terrence Malick sobre o encontro feérico de duas bonitas almas, o capitão John Smith e a nativa Pocahontas. No século XVII, as embarcações inglesas navegam pelo Atlântico em busca de territórios virgens com potencial de riqueza. Ao alcançarem a costa da Virgínia, os colonizadores ingleses assentam arraiais, dando origem à colónia de Jamestown. No entanto, a fraca experiência do conjunto no desbravar de novos mundos cedo se faz notar, quando a fome colide com os seus objectivos e a procura de ouro se torna uma miragem arrasadora. Perante este cenário desolador, o Capitão Newport atribui ao também Capitão John Smith a tarefa de liderança de uma expedição em busca de alimentos. Inesperadamente, o grupo de homens é cercado e dizimado pelos elementos da tribo reinante Powhatan, e apenas Smith vê a sua vida ser poupada. Já na aldeia dos nativos, o capitão conhece a bela filha do chefe, Pocahontas, por quem se perde de amores...

Este pungente épico romântico, autêntico hino à contemplação transcendente e à salutar grandiosidade do espírito humano, está contaminado por um lirismo quase inebriante. O filme encontra-se embevecido, do princípio ao fim, com a poesia visual que apresenta. E tem razões para isso. A arrebatadora fotografia a cargo de Emmanuel Lubezki aposta tudo na exploração das paisagens naturais em toda a sua plenitude; o que se ganha é um passe para uma dimensão etérea e delicadamente assombrosa. A câmara de Malick é igualmente obsessiva na captação dos mais ínfimos pormenores, dos pequenos gestos aparentemente insignificantes que contêm um mar de singela beleza e que ecoam os mais puros sentimentos.

Mas infelizmente existem algumas pontas soltas no filme que contrastam com a excelência dos resultados obtidos no plano visual. Acontece que The New World perde o fio à meada no que diz respeito ao desenvolvimento humano das suas personagens, uma vez que não abdica nem por instantes da primazia concedida ao espectáculo das imagens. Em determinados momentos também se sente que a narrativa se torna algo letárgica, o que é pena. A voz off demasiado explicativa é que não ajuda nada, embora queira reflectir fielmente os estados de alma das personagens. Percebe-se a intenção, mas o problema é que essa opção, para além de quase não ser necessária e prejudicar o nosso natural envolvimento, roça o entediante devido à vulgaridade daquilo que é dito.

Q`Orianka Kilcher (prima da cantora Jewel) tinha apenas 15 anos quando lhe foi colocado o difícil desafio de interpretar a personagem de Pocahontas, mas a jovem e bela actriz compreendeu os objectivos de Malick e revela ter uma genuína capacidade de composição dramática aliada a uma imensa sensibilidade. Faço votos de que Kilcher construa uma carreira interessante, porque o talento ela tem. Colin Farrell e Christian Bale completam o triângulo amoroso desta aventura de abordagem clássica.

Classificação: 3/5